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Nov 19, 2023

Die Chancen stehen gut, die Waren sind seltsam in der Lisson Gallery, NYC (Video + Fotos)

Die Chancen stehen gut, die Waren sind seltsam in der Lisson Gallery, NYC vom 29. Juni bis 5. August.

Die Chancen stehen gut, die Waren sind seltsam in der Lisson Gallery, NYC

29. Juni – 5. August 2022

Bilder (1-7) mit freundlicher Genehmigung der Lisson Gallery

Mit den Künstlern Leilah Babirye, Kristi Cavataro, Jess Fan, Doreen Lynette Garner, Hugh Hayden, Elizabeth Jaeger, Hannah Levy, Eli Ping, Jesse Reaves, Devon Turnbull (OJAS), Kristin Walsh

Die Chancen stehen gut, die Waren sind seltsam ist eine Gruppenausstellung, die eine neue Generation von in New York ansässigen Bildhauern hervorhebt. Die Präsentation vereint Kunstwerke aus verschiedenen Medien und zeigt die unterschiedlichen Ethos hinter der heutigen Skulpturenherstellung. Die vorgestellten Künstler bevorzugen das Handgemachte und schaffen ein Spektrum an Kunstwerken, das von ausgefeilt und konzeptionell bis hin zu roh und instinktiv reicht.

Durch die Verwendung atypischer Materialien vereint, besetzen die elf Künstler der Ausstellung ein Feld außerhalb der skulpturalen Norm und widersetzen sich einem trendgetriebenen System. Sie entscheiden sich stattdessen dafür, sich der Formalität zu stellen. Die Künstler teilen das Interesse daran, wie der menschliche Körper, seine Stärke und seine Zerbrechlichkeit, durch unzählige zeitgenössische Kräfte herausgefordert wird – von Krankheit und Leiden bis hin zu einer Störung in einer digitalen Welt. Sie wenden mühsame Praktiken an und durch ihre jeweiligen Methoden, vom Sammeln von Abfällen auf ihren Reisen bis hin zum präzisen Schärfen ihrer Konstruktionen, bleibt die Präsenz der Künstlerhände am Werk unverkennbar. Ziel der Ausstellung ist es, die atypischen Disziplinen hervorzuheben, die die Ausrichtung der Bildhauerei heute prägen.

Ein kolossales Pferd vonHugh Hayden steht am Eingang der Galerie. In seiner Praxis beginnt Hayden mit Objekten, die von Natur aus bedeutende Assoziationen mit gesellschaftlicher Kategorisierung aufweisen: Rasse, Religion, ethnische Zugehörigkeit, Bildung, Sexualität und dergleichen. Nach der Beschaffung bestimmter Holzarten, in diesem Fall Zypressen aus dem Südosten der USA, wendet Hayden einen strengen Prozess des Sägens, Schleifens und Formens an, um erkennbare, aber dennoch verdrehte Formen zu schaffen. Der Effekt ist eine metaphorische Störung des traditionellen amerikanischen sozialen Kontexts. Die Arbeiten in der Ausstellung veranschaulichen eine Reihe wiederkehrender Themen in Haydens Ikonographie; das Zebra als Verwirklichung der Tarnung und das Skelett wegen seines Mangels an äußeren Identifikatoren und seiner Andeutung eines vergangenen und möglicherweise bevorstehenden Aussterbens.

Auf der anderen Seite der vorderen Galerie stehen zwei große Buntglasskulpturen, von denen eine an der Wand und die andere auf dem Boden stehtKristy Cavataro . Die facettenreichen, zugleich runden und kubischen Strukturen sind das Ergebnis langwieriger mathematischer Berechnungen und praktischer Konstruktionen. Cavataros Praxis umfasst eine Adaption der Louis Comfort Tiffany-Technik, die im 19. Jahrhundert für Jugendstil-Buntglasdesigns verwendet wurde. Die Glasfliesen von Cavataro werden einzeln geschnitten und dann in Formen gelötet, die den starren Eigenschaften des Materials standhalten. Das Ergebnis sind unerwartete, architektonische Formen. Verzerrtes Material wird in einem neuen Werk von fortgesetztEli Pings Mote-Serie. Leinwand wird in der gezackten, rautenförmigen Figur zum skulpturalen Medium. Ping schlitzt, streckt und zieht die Leinwand durch sich selbst, bevor er Harz auf die neu verlängerten und verknoteten Formen gießt und sie zu knochenähnlicher Materie kristallisiert. Die an der Wand montierte Arbeit bietet eine neue formale Begegnung und könnte auf eine Metapher unter dem künstlichen Alabaster hinweisen.

Achtzehn glasierte Keramikfiguren präsentiert vonLeilah Babirye Untersuchen Sie die LGBTQ+-Geschichte und konfrontieren Sie die kulturellen Traditionen rund um Sexualität und Menschenrechte in Uganda, der Heimat des Künstlers. Babirye formt den Ton von Hand, und nachdem das Werk gebrannt ist, beträufelt und übergießt sie die Keramikskulpturen mit unkonventionellen Techniken mit Glasur. Die Figuren werden dann aus Materialien zusammengesetzt, die auf den Straßen von New York gesammelt wurden – Mugave Ndugwa vom Kuchu Lugave (Pangolin) Clan und Kinsambwe vom Kuchu Lungfish Clan (beide 2022) umfassen Kupferdraht und Fahrradreifenschläuche. Babirye verwendet in ihrer Arbeit bewusst verteilte Komponenten und zitiert dabei „ebisiyaga“, den abwertenden Begriff für queere Personen in der Luganda-Sprache, der sich mit dem weggeworfenen Teil der Zuckerrohrschale übersetzen lässt. Die recycelten Materialien der Künstlerin sind eine Rekultivierung ihrer Gemeinschaft und ihre Figuren orientieren sich an einer Reihe afrikanischer Kunsttraditionen.

In der Nähe sitzenKristin Walshs bedrohliche Maschinen. Walsh arbeitet hauptsächlich aus Aluminium und stellt Skulpturen her, die auf die immer weniger menschliche Welt der Fertigung und Industrialisierung verweisen. Walsh verzichtet auf Massenproduktionstechniken und schneidet, biegt, schweißt und verschmilzt jede Skulptur aus Blech. Ihre Arbeiten zeichnen sich durch eine gewachste und hochglanzpolierte Oberfläche aus, die einen Eindruck vom platonischen Ideal des Bezugsobjekts vermittelt, während die handwerkliche Fertigung unsere Beziehung zur Massenproduktion ablehnt. Walshs Maschinen enthalten künstliche Klänge der Uhrmacherei, die sich mit linearen Vorstellungen von Zeit und Effizienz auseinandersetzen. Die Werke der Ausstellung transformieren das typisch Nützliche ins Dystopische und Unheimliche.

Drei neue Werke vonElisabeth Jäger Sie bestehen aus Keramik und geschwärztem Stahl und zeigen menschliche Miniaturfiguren, die in dunklen Hohlräumen oder auf hängenden Teetassen stehen. Die Dioramen erforschen eine Fetischisierung der Mittelschicht, untersuchen symbolische Darstellungen von Statur und stoßen auf den gesellschaftlichen Druck, diese Zeichen zur Schau zu stellen. Die kleinen Körper wirken in ihren Räumen fragil und die Skulpturen fordern den Betrachter heraus, sich mit ihrem Verhältnis zur eigenen Körperlichkeit auseinanderzusetzen.

Die Skulpturen vonDoreen Lynette Garner Befassen Sie sich mit dem Körper durch eine historische Linse. Der Künstler untersucht vergangene und gegenwärtige Muster medizinisch sanktionierter rassistischer Gewalt, wobei er sich auf medizinische Experimente an Körpern schwarzer Frauen in den USA konzentriert und die daraus resultierende Demütigung veranschaulicht. Garners Arbeiten aus dem Jahr 2017, Known But To God: The Dug Up, Dissected, and Disposed for the Sake of Medicine, kombinieren eine breite Palette von Materialien – Glas, Silikon, Stahl, Epoxidharzmasse, Perlen, Swarovski-Kristalle, Whiskey – um einen verstümmelten Körper zu suggerieren Körperteile, Körperflüssigkeiten und menschliche Überreste. Lucy's Agony (2021) erweitert die Darstellung dieser Experimente und weist auf die aktuellen Ungleichheiten in der medizinischen Versorgung hin.

Körperlichkeit erstreckt sich auch auf Skulpturen von Jes Fan und Hannah Levy.Ja Fan In „Clavicle Repeated Four Times“ (2022) sind Abdrücke vom Körper eines Ex-Liebhabers zu sehen. Der Künstler erforscht die Materialität des geschlechtsspezifischen Körpers und seine Schnittstelle zur Biologie. Fan hat sich dafür entschieden, die buchstäblichen Substanzen der Biologie zu verwenden, die zur Typisierung von Identität verwendet wurden, und hat zuvor Melanin, Testosteron, Östrogen, Urin und andere Körpermaterialien in seinen mundgeblasenen Gläsern und Pigmenten verwendet. Das organische Material wird in eine größere, anorganische Konstruktion eingebunden. In Rack I (2022) hängt eine kadaverartige Glasform über einer großen Ansammlung aus gegossenem Harz und Silikon. Diese anatomische Materialität zeigt sich auch inHannah Levy' s fleischliche Formen. Levys visuelle Sprache ist eine Mischung aus wiedererkennbaren Objekten – Stühlen, Schuhen, Haken, medizinischen Hilfsmitteln, Gemüse –, die durch die Hinzufügung von gedehntem Silikon absurd verändert werden. Der polierte Stahl und die übertriebenen formalen Eigenschaften in Levys Strukturen nehmen eine rätselhafte Position zwischen sinnlichem Objekt und funktionellem Möbel ein.

Jessi Reaves baut ihre Möbel aus bescheidenen Materialien, die oft gefunden oder geplündert werden. Ihre skulpturalen Formen, handgefertigt und manchmal irrational, sind nie völlig losgelöst von der Funktion. In „European Yellow Couch“ (2018) verwandelt Reaves das Polstersofa, indem er es ausschneidet, bemalt und neu arrangiert, um die Figur von innen nach außen zu kehren und eine neue, endgültige Struktur freizulegen. Die Objekte von Reaves sind ein lustiges Faksimile ihres ursprünglichen Designs, das den Zweck der Konstruktion in Frage stellt und mit Vorstellungen von Praktikabilität und Ästhetik spielt.

Ein Hörraum, gestaltet vonDevon Turnbull ist ebenfalls in der Ausstellung zu sehen, ein seltener Ausflug in die skulpturale Welt für den Audio- und Design-begeisterten Multidisziplinär. Turnbull, der auch unter dem kreativen Pseudonym OJAS als Tontechniker bekannt ist, stellt in Handarbeit leistungsstarke Lautsprecher und Röhrenverstärker mit geringer Leistung her. Jede Klangskulptur ist einzigartig und Turnbull beschafft sorgfältig seltene Audioteile, um seine komplizierten, aber dennoch minimalistisch gestalteten Konstruktionen zu bauen. Während der gesamten Dauer der Ausstellung präsentiert die Galerie im Hörraum einwöchige, fokussierte Programme mit seltenen Musikplatten und zusätzlichen Audio-Highlights.

Über die Künstler

Leilah Babirye (geb. 1985, Kampala, Uganda) Babirye studierte Kunst an der Makerere-Universität in Kampala (2007–2010) und nahm an der Fire Island Artist Residency (2015) teil. Sie schuf eine ortsbezogene Arbeit für „Black Atlantic“, ein Projekt des Public Art Fund im Brooklyn Bridge Park, New York, das im Mai 2022 eröffnet wurde. Ihre Arbeit ist in „52 Artists: Revisiting a Feminist Milestone“ im The Aldrich enthalten. Ridgefield, Connecticut, die bis Januar 2023 läuft. 2018 erhielt die Künstlerin Asyl in den USA und präsentierte ihre erste Einzelausstellung bei Gordon Robichaux, New York. Ihre zweite wurde im Oktober 2020 eröffnet und die Galerie veranstaltete im Februar 2022 auch eine Pop-up-Ausstellung mit Babiryes Werken in Los Angeles, Kalifornien. Ihre Arbeiten befinden sich in öffentlichen Sammlungen, darunter im Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-On-Hudson , New York; Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island und Sammlung Goetz, München, Deutschland.

Kristy Cavataro(geb. 1992, Connecticut, USA) erhielt 2015 ihren BFA von der School of Art der Cooper Union. Ihre Arbeiten sind derzeit im Greater New York im MOMA, New York, USA (2022) und in zwei früheren Ausstellungen im Ramiken Crucible zu sehen , New York, USA.

Ja Fan (geb. 1990, Scarborough, Kanada) erhielt seinen BFA in Glas von der Rhode Island School of Design und lebt und arbeitet in Hongkong und Brooklyn, USA. Fan war ursprünglich in der Glasherstellung ausgebildet, hat seine Praxis jedoch auf verschiedene Medien und Ansätze ausgeweitet. Fan ist Empfänger verschiedener Stipendien und Residenzen, darunter des Pollock-Krasner Foundation Grant (2022), des Joan Mitchell Painters and Sculptors Grant (2017) sowie des Jerome Hill Artist Fellowship (2019–2020). Zu den jüngsten Ausstellungen gehören Kunsthall Trondheim (2021); X Museum (2020); Rockbund Art Museum, China (2019); Hayward Gallery, Großbritannien (2019); Empty Gallery, Hongkong (2018); und Museum of Arts and Design, USA (2017). Fan hat auch an zahlreichen Künstlerresidenzen mit Institutionen wie dem Bemis Center for Contemporary Arts, Recess Art, Smack Mellon und Pioneer Works teilgenommen. Er nahm auch an der Biennale von Venedig (2022), der New Museum Triennial (2021), der Liverpool Biennale (2021), der Sydney Biennale (2020) und dem Socrates Annual (2019) teil.

Doreen Lynette Garner (geb. 1986, Philadelphia, PA) ist ein amerikanischer Bildhauer und Körpermodifikator mit Sitz in Brooklyn, New York. Sie hat einen BFA in Glas von der Tyler School of Art der Temple University und einen MFA in Glas von der Rhode Island School of Design. Sie ist Trägerin des Joan Mitchell Painters and Sculptors Grant, des Toby Devan Lewis Award, eines Van Lier Fellowship Award und eines Franklin Furnace Grant und ist derzeit als Bildhauerin und Fleischbeschrifterin tätig. Garners neueste Arbeit ist derzeit in „Pale in Compare“ zu sehen, einer Einzelausstellung im SCAD Museum of Art, Savannah, GA. Zu den ausgewählten Ausstellungen gehören „Steal Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm“ – HALLE FÜR KUNST Steiermark (2021), „Greater New York“ MoMA PS1 (2021), „She Is Risen“ JTT Gallery (2019), STATEMENTS Art Basel ( 2018), „White Man on A Pedestal“ Pioneer Works (2017), „Surrogate Skin: The Biology of Objects“ MoCADA (2016), „Ether and Agony“ Antenna Gallery NOLA (2016) und „SHINY RED PUMPING“ Vox Populi Gallery (2015). Garner absolvierte Residenzen am LMCC Workspace Program (2015), an der Skowhegan School of Painting and Sculpture (2014), am Abrons Art Center (2015–16), bei Pioneerworks (2016) und an der GAPP Residency am Toledo Museum of Art (2016).

Hugh Hayden (geb. 1983, Dallas, TX) erhielt seinen MFA von der Columbia University und einen Bachelor of Architecture von der Cornell University. Zu den jüngsten Einzelausstellungen gehören das Blaffer Art Museum, Houston, TX, USA (2022), das ICA Miami, FL, USA (2021), das Madison Square Park Conservancy, New York, NY, USA (2021) und das Princeton University Art Museum, New Jersey, USA (2020) und bei White Columns, New York, NY, USA (2018). Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Gruppenausstellungen gezeigt, darunter im Sculpture Center, New York, NY, USA (2021); Hayward Gallery, London, Großbritannien (2020); The Shed, New York, NY, USA (2019); Pilotprojekte, Philadelphia, PA, USA (2018); Sundance Film Festival, Park City, UT, USA (2015); MoMA PS1, Rockaway Beach, New York, NY, USA (2014); Socrates Sculpture Park, New York, NY, USA (2014); und Abrons Art Center, New York, NY, USA (2013), unter anderem. Er erhielt Residenzaufenthalte am Glenfiddich in Dufftown, Schottland (2014); Abrons Art Center und Socrates Sculpture Park (beide 2012) sowie Lower Manhattan Cultural Council (2011).

Elisabeth Jäger (geb. 1988, San Francisco, CA) erhielt 2011 ihren BA vom Lewis and Clark College. Zu ihren jüngsten Einzelausstellungen zählen Holes in der Jack Hanley Gallery, Gutted bei Mister Farenheit und Brine bei Klemm's in Berlin. Der Künstler hat an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen, darunter „How To Survive“ im Sprengel Museum, Hannover, „DE Mirror Cells“ im Whitney Museum of American Art, „Greater New York“ des Moma PS1, „In Practice: Fantasy Can Invent Nothing New“ des Sculpture Center und „The Aspen“. Zombies des Kunstmuseums: Passen Sie auf!. Zuletzt stellte der Künstler in Ghosts in der Jack Hanley Gallery, Dreamers Awake im White Cube, London, 99 Cents or Less im Museum of Contemporary Art Detroit, Sticky Fingers im Arsenal Contemporary und The Sun and the Rainfall II in der Galleria Zero aus. Mailand.

Hannah Levy (geb. 1991, New York, New York) Zu den jüngsten Einzelausstellungen gehören High Line, New York (2021); Casey Kaplan, New York (2020); Mother's Tankstation, Dublin, Irland (2018); Fourteen30 Contemporary, Portland, Oregon (2017); und White Flag Projects Library, St. Louis, Missouri (2016). Bemerkenswerte Gruppenausstellungen umfassen Wege zur Welt – Hilde-brand Collection, G2 Kunsthalle, Leipzig (2019); Campi Magnetici (Magnetische Felder), Gió Marconi, Mailand, Italien (2019); The Artist is Present, Yuz Museum, Shanghai, China (2018); I See You, Savannah College of Art and Design Museum, Savannah, Georgia (2018); Being There, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Dänemark (2017); Past Skin, MoMA PS1, New York, New York (2017); und Dinge, von denen ich denke, dass ich sie will. Sechs Positionen zeitgenössischer Kunst, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Deutschland (2017).

Eli Ping(geb. 1977, Chicago, IL) erhielt 2005 seinen MFA von der University of Illinois und 1999 seinen BFA vom Vassar College. Pings Arbeiten werden derzeit in der Galerie Maria Bernheim, Zürich, Schweiz (2022) ausgestellt und frühere Ausstellungen umfassen Ramiken Crucible, New York, USA (2021), Susen Inglett, New York, USA (2013).

Jessi Reaves (geb. 1986, Portland, OR) erhielt 2009 ihren BFA von der Rhode Island School of Design. Sie erhielt 2020 den Teiger Mentor in the Arts von der Cornell University und erhielt 2017 eine besondere Erwähnung beim Hublot Design Prize in der Schweiz Zu den Residenzen zählen die Chinati Foundation, Marfa, Texas (2021) und der Fallingwater Institute Artist-in-Residence, Mill Run, Pennsylvania (2018). Zu den öffentlichen Sammlungen gehören das Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, Pennsylvania; RISD Museum of Art, Providence, Rhode Island; Whitney Museum of American Art, New York, New York.

Devon Turnbull (OJAS) (geb. 1979, Smithtown, NY) OJAS ist der kreative Pseudonym von Devon Turnbull. Als Student der Tontechnik begann er, den Namen in verschiedenen Disziplinen zu verwenden, darunter Graffiti, Musik, Grafikdesign und Bekleidungsdesign. 2003 gründete Turnbull zusammen mit Isa Saalabi, Wil Whitney und Holly Harnsongkram die Bekleidungsmarke Nom de Guerre. Während er im nächsten Jahrzehnt hauptsächlich in der Modebranche arbeitete, hielt Turnbull den Namen OJAS auf Klangskulpturen am Leben, die er für sich selbst und eine wachsende Zahl von Audio-Enthusiasten auf der ganzen Welt schuf. Mit besonderem Interesse an hocheffizienten Lautsprechern und Röhrenverstärkern mit geringer Leistung zielt Ojas Audio Equipment darauf ab, dem Zuhörer einen realistischen, natürlichen Klang zu bieten. Diese Produkte sind das Ergebnis von zwei Jahrzehnten Experimentieren, Ingenieurskunst und Erkundungen im Audio-Underground.

Kristin Walsh (geb. 1989, Emerald Isle, NC) erhielt 2017 ihren MFA von der Columbia University und 2013 ihren BFA von der University of North Carolina in Charlotte. Zu den jüngsten Solo- und Zwei-Personen-Präsentationen gehören: Unworlding, Frieze London, Helena Anrather; The Art of Working Events, Helena Anrather, New York; NADA House, Helena Anrather, New York; Fjord, Philadelphia; Salisbury University, Salisbury, MD; Zu den ausgewählten Gruppenausstellungen gehören: Downs & Ross, New York; Water McBeer, East Hampton, NY; Helena Anrather, New York; Marinaro, New York; SIGNAL, New York; Lenfest Center, Columbia University, New York;; Wassaic-Projekt, Wassaic, NY. Walsh lebt und arbeitet in New York.

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